Es de anotar que quienes estudian danza en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Francisco José de Caldas en la actualidad reciben el título de Maestro en Arte Danzario, la última promoción que se graduó con el énfasis en danza contemporánea es de quienes ingresaron en el año 2007.
Para finalizar esta serie de cinco entrevistas mi entrevistado es el coreógrafo y bailarín profesional Francisco Rincón, quien es egresado de la ASAB en el año 2016. A continuación su historia danzada.
¿Dónde nació y en qué año?
Soy rolo nací en Bogotá en el 90, es decir alcancé a percibir el fin de milenio y de siglo.
¿En qué año se graduó?
Empecé a estudiar en el 2007 con el grupo del último pénsum del antiguo énfasis en danza contemporánea de la ASAB, luego de perder una materia en segundo año, (porque era por año no por semestre); al repetirla tenía que dejar de ver composición, cosa que me encantaba y por querer asistir a esa en lugar de a la que debía asistir se me empezó a formar un huracán en mis horarios, por trabajos externos y oportunidades de bailar profesionalmente, además de mi propio proyecto, terminé graduándome en el año 2016, terminando proceso con dos grupos adelante en la opción danza del proyecto curricular de artes escénicas de la ASAB.
¿Cuándo decide dedicar su vida a la danza?
Cuando entiendo y percibo que existe una sensación diferente en mi mente y en mi cuerpo a la hora de estar y vivir en el escenario, eso me lo da múltiples veces el colegio, haciendo danza tradicional, teatro, desde nosotros mismos como estudiantes e inclusive acercamientos a la danza contemporánea y a la dirección y creación de propuestas desde referentes del teatro callejero y de lo que percibía y se podía ver del Festival Iberoamericano de Teatro, referente importantísimo para toda mi carrera y mi vida.
Pero particularmente luego de que mi profesor de música me sugiriera buscar acerca de la ASAB y presentarme a danza: ¡seguro usted pasa! -me dijo él- luego de ver algunos trabajos que hice de danza contemporánea, sin saber qué era eso (jaja), mi visión era estudiar teatro, por los referentes previos que tenía pues en ese entonces no sabía nada de la danza contemporánea.
¿Cuándo descubre la danza contemporánea?
Cuando decido audicionar para la ASAB, me quedaba un semestre de tiempo, ya que las audiciones eran en junio y yo acababa de salir del colegio en diciembre, voy a mi referente del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá – FITB y de allí con la Casa del Teatro Nacional, decido realizar un taller de creación e improvisación con la que fue mi primera maestra Martha Ruíz, allí me apasioné por todo lo relacionado con la danza contemporánea, pues tomaba clase técnica, realizaba ejercicios creativos más específicos y veía obras.
Tomé un taller con FUERZA BRUTA que fue otra cosa relacionada con la danza vertical y el teatro físico.
Conocí a Fanny Mickey y a Lina Gaviria que luego me presentó a Tino, estaba inmerso en el mundo del escenario, me di cuenta que ya había visto danza contemporánea antes con L´Explose en el 2005, pero que yo pensaba que era teatro.
Yo creo que de ahí vino todo, de ver esas imágenes del cuerpo en movimiento, pero también de la narración no verbal que quedó en mi cabeza sin saber muy bien qué era y eso fue lo que me animó luego a tomar ese camino.
¿Hay algún otro género de danza que le guste aparte de la danza contemporánea?
Yo creo que todos, hasta le he cogido gusto a ver el ballet clásico, cosa que antes no me gustaba, siento que tiene que existir un goce por el movimiento más allá del género o del estilo, en mi caso como bailarín he hecho danza tradicional, danza afro, danza vertical aérea, danza urbana aprendiéndome las coreos de los videos musicales, que fueron yo creo, el segundo acercamiento a la danza en mi niñez, luego de las fiestas familiares que fue lo primero creo yo.
Pero hay algo importante ahí y siempre ha sido el gusto por la música y el ritmo que reacciona con el movimiento.
¿Con qué maestros y maestras de danza ha recibido formación?
Son muchos en la lista para mencionarlos a todos en el pasar de los años los cuales llevo en mi memoria, en el corazón y en el movimiento. Los maestros del colegio, todos los maestros de la ASAB, los directores y el equipo técnico de las producciones en las que he estado como bailarín, soy muy observador y aprendo del trabajo que realiza cada uno, los maestros y bailarines de la Vertigo Dance Company en Israel, los que me han enseñado cosas particulares en talleres y clases.
Pero sobre todo y siempre que me hacen esta pregunta en formularios y demás yo considero como maestros a mis compañeros, porque en las clases prácticas uno aprende mucho del proceso del otro, de cómo lo hace, de ver cambios, avances, logros, dificultades desde el reconocimiento del cuerpo, pues para todas las personas es diferente, en mi caso esto fue de mucha importancia.
¿Cuál es su obra consentida en la que ha participado y por qué?
Pienso en la primera que se me viene a la mente, pero luego aparece otra y otra y otra y todas, creo que cada una ha sido especial y particular, cada una ha tenido momentos únicos y que no suman o restan importancia a otros, desde presentarse con una obra ante más de 2 millones de personas, hasta bailar en la calle, bailar solo en un escenario gigante, o estar suspendido en el aire, cada una de las obras en las que he estado como bailarín y como director y bailarín son mis consentidas porque son las que le dan sentido a mi vida realmente.
Volviéndolo a pensar creo que son las obras que vi primero en otros intérpretes y que como espectador y público me llenaban tanto que emprendí todo un proceso de aprendizaje y mérito para poder ser parte luego en un remontaje. Esas serían: 48.9 Pasado Meridiano de Marybel Acevedo, De Guayabas y Mariposas de la Compañía de Danza Orkéseos y una por ahí que aún no se ha cumplido y que sería un sueño realizarla.
¿Cuál es la obra que ha creado y que le ha dado más satisfacciones?
Igual que como el punto anterior todas mis creaciones me han dado satisfacciones diferentes, cada una son procesos en el tiempo que trae consigo, ideas, proceso, trabajo, problemas, alegrías, encuentros, tristezas, entonces decir que una tiene más satisfacciones que otra, es raro, podría ser por el número de veces y funciones presentadas, por un logro que se consiguió, por trabajar con personas específicas, por lograr ciertos hallazgos, todas hacen parte de una satisfacción por poder hacer lo que a uno le gusta y le apasiona hacer.
Entonces decir que alguna me dió más satisfacción que otra es un poco desconocer aquella satisfacción que por pequeña que sea sucedió gracias a realizarla.
Cuéntenos acerca de la obra Desadaptados
Desadaptados es una obra que iniciamos en el 2016 gracias a la invitación que me hace Ana María Vitola y Michel Cardenas para trabajar junto con Freddy Bernal en una pieza que trataría acerca de los Trastornos Obsesivos Compulsivos TOC Y TIC, en una manera de parodia de terapia de grupo, teatro físico y movimiento bajo la dirección e idea de Ana.
También como una opción de bailar en un momento donde no había las suficientes oportunidades para desarrollarse profesionalmente como bailarines, y buscar hacer nosotros mismos parte de esas opciones para poder bailar, la compañía tiene el nombre Proyecto 2. La obra se creó en el 2016 y aún a la fecha se sigue presentando, ya que es una obra donde el espectador se puede sentir identificado fácilmente, ojalá pueda presentarse y ser mucho más visibilizada.
El trabajar con Ana, Michel y Freddy fue un encuentro con bailarines que admiraba mucho cuando era estudiante y los veía en el escenario en diversos trabajos, el hecho de trabajar con ellos ahora significaba un reto y una motivación muy grande, también significó la invitación para bailar con el Maestro Charles Vodoz para el remontaje de la beca de creación: Una casa en mi voz, personalmente en el proceso y en las funciones encontré herramientas del uso del texto hablado que nos propuso Ana y a través de la improvisación y de la conexión entre nosotros, que daban por resultado una serie de situaciones y momentos particulares para el público y para nosotros mismos.
Y con respecto a la obra El Reflejo de Mnemósine ¿qué tiene para contarnos?
El reflejo de Mnemósine es una pieza muy significativa para mí, porque es un homenaje personal que yo necesitaba hacer luego de la partida de uno de los directores que más ha influenciado mi carrera y mi modo de ver las artes escénicas, Tomaz Pandur.
Fue de las primeras cosas que vi en teatro de sala, me enamoré de su estética, de la manera de juntar las artes en el escenario, luego de seguir toda su carrera y su trabajo, amaba la manera como Tomaz lograba construir belleza en medio de lo más oscuro, y lo más sutil o lo más imponente.
Luego de seguirlo casi por 12 años, ver todos sus trabajos presentados aquí en diferentes versiones del festival, excepto la versión alemana del Infierno que fue en el 2002 pues tendría 12 años de edad y Medea que tampoco la pude ver porque se me cruzaba con funciones, lo logré conocer en el 2016 cuando trajo la versión eslovena de Fausto.
El encuentro fue algo que le agradeceré al universo por siempre, le pude expresar mi admiración hacia él, todo el seguimiento de su trabajo, mi inspiración para mis creaciones y demás, hablamos un buen rato antes y después de la función.
Y tal fue la conexión, que él en ese momento quiso que de alguna manera yo formara parte de su próxima creación “Cien años de soledad”, estaba bastante entusiasmado pues sería con actores colombianos y mexicanos, me comentó algunas cosas que ya tenía adelantadas, y me dijo: yo quiero que estés ahí, por favor pásame tu curriculum, pues ya yo sabía que le gustaba trabajar con bailarines y figurantes así fuera una pieza de teatro clásico, pues hizo ópera, ballet, trabajó con bailarines derviches, en fin, mezclaba muchos estilos y géneros.
Luego de decirme las palabras se quitó una manilla que lleva la inscripción “Cien años de soledad” y me la regaló, desafortunadamente Tomaz murió dos semanas después en Macedonia en un ensayo del Rey Lear.
Todo esto se convierte en el Reflejo de Mnemósine una especie de galería viva que pasa por las diferentes etapas de su carrera, su simbolismo y estética, con la intención de mantenerlo vivo, de lograr que las personas que no conocieron su trabajo puedan saber algo sobre él.
¿Ha salido del país por causa de su profesión como bailarín?
Gracias a la participación en los festivales y encuentros del Consejo Internacional de Organizaciones de Festivales de Folklore y de las Artes Tradicionales – CIOFF, pude viajar por primera vez fuera del país con la Compañía de Danza Orkéseos, fue la puerta para poder conocer el mundo.
Primero estuvimos en Francia y España por un período casi de tres meses y el siguiente año estuvimos en Canadá. El impulso para luego viajar por mi cuenta, pero también buscando oportunidades con la danza. Estuve en Bruselas audicionando para P.A.R.TS. En Israel por medio de una beca especial para artistas del ICETEX y en una residencia creativa por parte del Ministerio de Cultura y la Asociación Cultural Española en Madrid. Entonces evidentemente sí, la danza me ha llevado a conocer diferentes lugares del mundo y espero poder presentar alguna pieza o creación también.
¿Cómo fue su experiencia trabajando bajo la dirección del fallecido director Tino Fernández?
Un sueño, un proceso construido de poco a poco. Como mencionaba lo primero que vi en danza sin saberlo fue L’Explose. El tiempo de un silencio, ¿Por quién lloran mis amores?, La Mirada del Avestruz, fueron piezas que me impresionaron de una manera fuertísima en todo mi sentir, donde allí le hallaba un sentido y un gusto particular a lo que hacían los intérpretes y en todo lo que me mostraban a mí como espectador, experiencias que sólo pasan al ver estas piezas ahí en ese momento único y que le da tanta importancia y validez al momento del escenario y del teatro.
Lina Gaviria con quién había tomado un taller de teatro físico con los performers de FUERZA BRUTA fue quién me lo presentó luego de una de las funciones de La Mirada del Avestruz. Desde allí pasaba siempre luego de las funciones a saludar y agradecer por lo visto, empecé a tomar varios talleres en La Factoría, que luego se convirtió en la casa para todos los bailarines.
Luego salió una oportunidad para la celebración del Bicentenario de la Independencia en el 2010 y finalmente a la hora de realizar mi montaje de grado ya tenía en mi cabeza que de alguna manera quería hacerlo con L´Explose, me puse a consultar y averiguar y se podía hacer bajo la modalidad de pasantía. Hice todo el proyecto y se lo presenté a él. Lo revisó y me dijo que caía apenas porque se iba a comenzar la creación de Carmina Burana con el Julio Mario Santo Domingo.
El proceso fue interesante ya que aunque éramos doce bailarines de la Compañía, la idea era que la parte protagónica fueran las 40 personas del coro, así que nuestra tarea consistía en guiar algunos movimientos y pautas para el coro, además de hacer unas intervenciones coreográficas de sólo los bailarines.
Para mí fue una alegría profunda, sentirme parte de un equipo de personas las cuales admiraba más que a cualquier cosa, nervios por los retos que me imponían Tino, Juliana y los bailarines para la construcción de las partes de la pieza, pero todo el tiempo sentía que estaba cumpliendo un sueño. Siento que cuando uno siente tanta admiración por alguien y se da la oportunidad de trabajar juntos, el sentir en todo momento pasa a ser otra cosa.
¿Qué enseñanzas le quedaron de él?
El amor por sus intérpretes, la mirada detallista de la imagen que narra algo potente y contundente, el quehacer artístico como una familia, más que como un empleo, lazos muy fuertes construidos desde los momentos vividos, desde la danza que es la vida misma, el lograr sorprenderse por lo que puede hacer cada intérprete, un largo camino con muchos sueños cumplidos.
Luego de haber estado en las diferentes temporadas de Carmina Burana, al igual que con Tomaz, en 2019 nos despedimos al finalizar una reunión que realizó en su casa para todos sus amigos y personas con las que había trabajado en el año y me dijo: Francisco necesitamos hablar antes de irme, (no sabía si salía de viaje o algo así), hay muchas cosas el otro año para la Compañía. Y bueno, antes de reencontrarnos, partió hacia otro plano.
Me queda el sinsabor de poder haber estado en una creación con sólo bailarines, pero agradezco al universo haberme presentado las oportunidades de compartir y haber trabajado con él.
¿Qué experiencias lo han marcado hasta ahora en la danza?
Todas y cada una, cada vez aumentan y aumentan más, así que se hace más difícil escoger o mencionar alguna, porque todas hacen parte de mí y todas marcan y trazan momentos vividos.
El estudio, las compañías, los viajes, las creaciones, las funciones, los amigos, la familia, los intérpretes, los directores, el público, la creación, los hallazgos, los problemas, las creaciones que se mezclan con los momentos de la vida, las alegrías infinitas, la oportunidad de estar y crear mundos.
Menciónenos algunas de las obras que haya creado o dirigido
Todo comenzó con la idea de hacer cosas en el colegio, allí empecé recreando escenas de películas o poniendo en escena imágenes para hacer teatro, todo con los referentes que tenía hasta el momento, algo que también aprendí y entendí era que era bueno para dirigir eso que quería que se viera o se mostrara al público.
Luego el incentivo fue el proceso creativo con Martha que era individual y grupal. Como todo esto fue antes de empezar la carrera profesional, cuando ya estuve allí tenía esa experiencia que quería seguir enriqueciendo, así que bajo la ayuda y motivación de mis compañeros de clase, decidimos seguir con las ideas creativas y hacer piezas y desde allí se volvió en un quehacer continuo que cada vez se alimenta más de precisamente todo lo vivido y experimentado a través del tiempo.
Algunas de las obras en ese recorrido son: El ciclo de la cigarra, Ciegos y elefante, Fotograma, Delta 71 in Brussels, Metrópoli Frenética, entre otras.
¿Qué temas ha tratado en sus obras?
Las temáticas evidentemente se relacionan con alguna pulsión, alguna intuición, o algo que esté relacionado en el momento ya sea con los intérpretes, con alguien en específico o conmigo mismo. Con algo que quiera experimentar con el trabajo de los intérpretes, algún reto o hallazgos que van surgiendo en el mismo proceso creativo.
Generalmente parto de alguna imagen, de algún sonido o tema musical, que se transforma en mi mente en una escena, que luego trato de recrear con la gente que estoy trabajando.
El cine, la soledad en el caso de “El ciclo de la cigarra”, la intolerancia del culto religioso y la libertad de expresión en “Ciegos y elefante”, el recuerdo plasmado en “Fotograma”, el choque cultural en “Delta 71 in Brussels”, el ser humano como masa y máquina y no como ser particular y libre en “Metrópoli Frenética”.
Las constantes han sido la escogencia o el trabajo detallado del ritmo y el ambiente sonoro, el uso de los medios tecnológicos para crear escenografías, construir imágenes y sobresaltar la narración escénica, y la construcción de estética visual a través del color o texturas.
¿Qué aprendizajes le ha dejado la docencia?
Cada grupo de edades es diferente, así que me parece importante primero saber planear y entender los intereses de cada grupo al que se le vaya a dictar clase. Cuales son los objetivos de ese grupo, qué pueden aprender, qué pueden hacer, qué les puede ofrecer la clase para ese momento.
Siento que como docente, aprendo de todos los momentos que conlleva preparar la clase, enfrentarse a realizarla y poner en evidencia el conocimiento y experiencia de todo lo que uno pueda transmitir.
No trato a los estudiantes como estudiantes sino como colegas, porque al final eso es lo que terminamos siendo, así que cuando digo una corrección lo hago con el ánimo de que esa persona pueda conocer y explorar sus capacidades, y como una manera más de hacer las cosas, ya que hay miles. Tratando de que el momento de la clase sea dinámico y de agrado.
¿En qué proyecto está trabajando en este momento?
Quiero presentar la última creación “Ciegos y elefante” en escena, pues fue creada en el segundo semestre de 2020 en pandemia y se realizó un trabajo para video, así que espero poder ponerla en el escenario. La continuación cuando sea posible de repertorio tanto propio, como donde soy bailarín intérprete. Y el inicio de posibles proyectos nuevos que aún están en el papel.
¿Qué consejos le da a los futuros bailarines?
El primer consejo que les doy es que busquen e investiguen qué es lo que ya se ha hecho. Es importante que se reconozca la historia, que se le de la importancia a los trabajos que ya se han realizado, y que se entienda que a partir de ahí es que se hacen los nuevos procesos y se generan la nuevas inquietudes.
Que sean fieles a su intuición y su pasión, que sepan reconocer qué los hace sentirse plenos. Y que aunque se haga y se piense para el público, tengan en cuenta que los debe primero hacer sensibles y llenarlos de felicidad.
¿Cuál es la historia de Creato Danza Contemporánea?
El incentivo fue el Concurso coreográfico que se celebraba en el marco de la celebración del Día Internacional de la Danza en la ASAB, pues existía el premio a los mejores trabajos independientes creativos de los estudiantes, que consistía en temporadas en eventos y en la participación bajo el nombre de la ASAB en el Festival Universitario de Danza Contemporánea, así que lo que significaba era vida escénica, experiencia en el teatro, funciones y vida misma de los trabajos creativos.
Decidimos ponerle a la agrupación CREATO, ya que significa universo en italiano y recordaba la frase de Martha de la capacidad que tenemos para crear universos. Empezamos con varios de los compañeros de curso, en ese entonces teníamos un miedo que nos hacía lanzarnos a ojo cerrado a cualquier cosa, a experimentar, a ensayar y comprometernos para poder lograr los objetivos, a confiar y a poder estar en el escenario.
Mientras estuvimos todos en la carrera realizamos alrededor de 6 piezas de diferente duración y con cambio de algunos intérpretes. La pieza que más movimos y presentamos fue “Metrópoli Frenética”, con ella llegamos hasta el Concurso Distrital de Danza Contemporánea donde obtuvimos una mención de honor por parte del jurado pero sólo de manera verbal.
Luego que pasó el tiempo en la carrera, los tiempos de cada uno de nosotros empezaron a cambiar al igual que las prioridades y los espacios de trabajo, así que yo decidí seguir trabajando bajo el nombre de CREATO con todas mis apuestas creativas, lo que me permitió seguir accediendo por trayectoria a convocatoria públicas de becas de creación y premios.
Entonces bajo una idea y una convocatoria de personas allegadas para trabajar se comienza a desarrollar una pieza de CREATO, que puede ser en solo, dueto, trío o grupal, donde he invitado a actores, músicos profesionales, videoartistas y demás personas que sean pertinentes para el trabajo en específico. Cada una de las personas que ha pasado por CREATO ha dejado su trabajo profesional y su vida misma en pro del quehacer artístico, creativo y su ser escénico fundamental para la totalidad de construcción de universos y momentos particulares.
Autor: Vilma Guzmán
Fuentes: tp.teatromayor.org, facebook/orkeseos, eltiempo/cultura, facebook/lexplose,
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Imágenes: Archivo personal de Francisco Rincón faceboock - CREATO Danza Contemporánea, faceboock - CREATO Danza Contemporánea
